King Crimson - Discipline (1981)

Elegí este álbum para comentar por varios motivos. El principal es que es un nuevo nacimiento para King Crimson, el tercero para ser más preciso. Es uno de los pocos discos realmente innovadores y de vanguardia de la nefasta (quizá no nefasta, pero digamos, mala) década del ’80 para la música de rock.

Fripp es un tipo muy espiritual, vive por y para la música. Tiene un genio innegable y un talento más allá de lo normal. Con este disco se produce una nueva transformación del grupo. Luego de pasar por una etapa sinfónica y pomposa (1969-1972), una etapa cruda y absolutamente experimental (1973-1975), ésta última mi etapa favorita, y un largo silencio desde 1975 hasta 1981, Fripp vuelve a dar un giro completamente inesperado y sorprende al ambiente musical con un estilo completamente nuevo, fresco, lleno de creatividad, pero a la vez complejo, anticomercial, más rítmico que las anteriores encarnaciones de Crimson. Para ello reclutó a Tony Levin, quien había tenido participaciones con gente de la talla de Meter Gabriel y a Adrian Belew, quien venía de colaborar nada más y nada menos que con el mismísimo Frank Zappa. El único músico que sobrevivió, y con justa razón de la anterior formación es el magnífico Bill Bruford (mi baterista favorito de todos los tiempos). Belew resultó ser una partener muy especial para Fripp, ya que desde ese momento no volvió a separarse de él, y fue un artífice muy importante del nuevo vuelco estilístico.

El disco abre de manera genial con “Elephant Talk”, sostenido en una base de stick al mejor estilo groove que se mantendrá todo el tema, y sobre el cual la dupla Fripp-Belew se deshace en arpegios combinados que son una maravilla. La voz de Belew es particularmente irritante a la primera escucha, pero, una vez que uno se acostumbra a su timbre, suena realmente ajustada con la música. Se destacan ambos solos, uno de cada guitarrista. Le sigue “Frame By Frame”, donde se pone de manifiesto de cuerpo entero un nuevo estilo de tocar la guitarra. Sobre un trasfondo musical sumamente complejo a cargo de Bruford y Levin llueven un sinfín de escalas armonizadas por ambos, en una muestra de puro virtuosismo. La melodía de la voz y los coros son geniales. Es increíble la coordinación de Belew para cantar y tocar de la forma que lo hace al mismo tiempo. Es un don innato, eso no se aprende, estoy convencido de ello. “Matte Kudasai” es una balada, lenta, con una melodía deliciosa, con Fripp sonando de manera increíble. Es el tema más accesible del álbum para quien no está familiarizado con la música de Crimson. El siguiente tema, “Indiscipline”, es el más pesado del álbum. Es realmente pesado, con reminiscencias a “Larks’ Tongues In Aspic”, con un sonido muy metálico, muy buenos solos de Fripp, y Belew diciendo unos monólogos bien delirantes. “Thela Hun Ginjeet” es mejor, una rítmica realmente prodigiosa, otra lírica rarísima de Belew. “The Sheltering Sky” es mejor aun. Un tema instrumental, muy atmosférico, sostenido en unos rasgueos de guitarra y en una percusión exacta, en los que Fripp va generando una sucesión de melodías que no se pueden explicar, con gran sentimiento (aunque siempre se lo acusó de ser frío, muy frío, el tipo sabe transmitir de manera exacta los sentimientos y hace emocionar). El final del disco llega con “Discipline”, el cual es una verdadera muestra de virtuosismo, por parte de los cuatro. Guitarras combinadas en mil variaciones, giros de ritmos, vueltas y más vueltas sobre una escala. El nivel de concentración que se necesita para tocar de esa manera es altísimo, pero quien oye recibe múltiples sensaciones de orgasmos musicales. Un instrumental excelente para concluir un disco excelente.

Sobran las palabras y a la vez hacen falta para comentar discos de esta calaña. Totalmente revolucionario en su género.

Lista de Temas:

1. Elephant Talk
2. Frame By Frame
3. Matte Kudasai
4. Indiscipline
5. Thela Hun Ginjeet
6. The Sheltering Sky
7. Discipline

Personal:

Adrian Belew: Guitarra, Vocales

Robert Fripp: Guitarra

Tony Levin: Stick, Bajo, Coros

Bill Bruford: Bateria, Percusión

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Led Zeppelin - Led Zeppelin II (1969)

Clásico de clásicos. No hay otra manera de empezar este comentario. El álbum es una colección de riff super clásicos. Se debería utilizar este álbum para enseñar como rockear con la guitarra. Así de simple. Y miren el año en que se editó, 1969!!! Sin palabras.

El disco arranca con “Whole Lotta Love”, un riff muy simple, pero no por eso poco efectivo. La primera mitad del tema se sostiene sobre ese riff demoledor de guitarra y bajo. La sección intermedia es un poco densa, se podría prescindir tranquilamente de ella, es una serie de efectos de sonido que decoran unos gritos de Plant, pero sirve como previa de una vuelta al tema principal arrolladora, con un solo de Page y una intro de batería terribles. Temazo para arrancar. Le sigue “What Is And What Should Never Be”, una balada con muchos matices para dar un respiro luego de semejante comienzo. “The Lemon Song” tiene una de las mejores performances de bajo de John Paul Jones, totalmente creativa y que sostiene toda la canción y la hace un clásico indiscutido del grupo. La forma en que la voz de Plant lanza todos esos gritos sobre la línea de bajo y Page matizando con toda clase de artilugios con la viola es sencillamente grandiosa. El tema es una reverencia a clásicos del blues, tomando como principal exponente “Killing Floor”. Por ese motivo fueron acusados de plagio, fundamentalmente porque el tema aparece firmado por Led Zeppelín, sin hacer mención a otros autores. En realidad, es un álbum bastante acusado de haber “tomadas prestadas” bastantes ideas ajenas. El tema que sigue, “Thank You”, es otra balada, con una melodía que a mí en particular me encanta, sobre todo la parte en que Plant queda cantando solamente en compañía del teclado, para que luego Bonzo desarme su batería en otra entrada épica. A continuación llega el mejor riff de toda la historia, el más contundente, el que mejor describe al hard rock, superando incluso al riff de “Smoke On The Water”. “Heartbreaker” es un super clásico absoluto de todos los tiempos. No solo por su riff, sino también por la interpretación vocal de Plant, de las más logradas, y por el gran solo intermedio de Page, un verdadero solo de guitarra. A continuación llega “Living Loving Maid (She’s Just A Woman)”, con otro riff de colección, un estribillo súper pegadizo y una combinación rocker-funky que hacen del tema otro clásico de Zep. “Ramble On” es otra especie de balada, esta vez con más presencia de guitarras acústicas, y con una eléctrica con fills de todo tipo, siempre acertados. La línea de bajo es otra vez impecable y los solos muy melódicos. Un gran tema. “Moby Dick” es lo más controvertido de disco. Particularmente me resultó muy chocante que luego del semejante riff inicial (donde nuevamente se acusa a Page de plagio) siga un solo de batería. Que tenía que ver con lo que era el tema? Con las sucesivas escuchas me fui acostumbrando y empecé a disfrutarlo, sin que me vuelva loco. Sucede que el riff es impresionante, de lo mejor de Zep, y el solo de Bonzo (que en vivo se prolongaba por más de 10 minutos y donde realmente destrozaba la batería, llegando a revolar los palillos y dándole sin asco a los platillos con las manos!) corta un poco el ritmo del tema. El final del álbum llega de la mano de “Bring It On Home”, con un comienzo al mejor estilo blusero clásico, con Plant tocando la armónica y cantando como si estuviese endiablado. Luego el tema deviene en otro riff alucinante de Page y una soberbia destrucción de la batería por parte de Bonzo.

Se hace sumamente difícil comentar un disco de Led Zeppelín, ya que cuenta entre sus filas a mi “héroe” de la guitarra, uno de mis cantantes favoritos y también uno de mis bateros favoritos, y me siento muy tentado de decir que todos los temas son excelentes. Solo hay que escucharlo y disfrutarlo. Este es un álbum básico en cualquier discografía, más allá de sus evidentes problemas de sonido y de producción, y de sus múltiples acusaciones de plagio y robos.

Lista de Temas:

1. Whole Lotta Love
2. What Is And What Should Never Be
3. The Lemmon Song
4. Thank You
5. Heartbreaker
6. Living Loving Maid (She’s Just A Woman)
7. Ramble On
8. Moby Dick
9. Bring It On Home

Personal

Jimmy Page: Guitarra Eléctrica, Guitarra Acústica, Coros

Robert Plant: Vocales, Harmónica

John Paul Jones: Bajo, Teclados

John Bonham: Bateria, Percusión

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Genesis - Selling Englad By The Pound (1974)

“Selling England By The Pound” es sin dudas el disco más influyente en mi vida. Recuerdo que cuando lo escuché por primera vez quede realmente sorprendido, maravillado. De principio a fin lo único que hice fue estar acostado y escuchar incrédulo la música que salía desde los parlantes. El disco llegó a mis manos por parte de uno de mis hermanos. Yo tenía en mente una imagen totalmente distinta de Genesis, solamente conocía la era Phil Collins, ignoraba completamente a Peter Gabriel.

Pasemos a la música en sí. El comienzo del álbum es totalmente excelente, grandioso, sublime. Nunca he oído algo tan contundente. “Dancing With The Moonlight Knight” no tiene comparación con nada que haya escuchado antes. Comienza con Gabriel cantando a capella “Can you tell me where my county lies” con una voz super hiper personal. Nunca había escuchado a Gabriel, pero desde ese momento pasó a ser uno de mis cantantes preferidos (junto a David Coverdale y Robert Plant). Con el correr del tema se van sumando los instrumentos para crear una gran atmósfera sinfónica, hasta llegar el momento en que todo estalla con uno de los riff mas contundentes del progresivo, seguido de uno de los memorables solos que Steve Hackett registra en el disco. El tema repite el ciclo musical y concluye con un colchón sonoro de guitarras acústicas y melotrón, de una manera inimaginada. Un comienzo único. Le sigue “I Know What I Like (In Your Wardrobe)”, un tema con un estilo pop, pero afortunadamente muy distinto del estilo pop al que llevó al grupo Phil Collins. Está cantado de una manera muy ingeniosa, los coros suenan muy bien, mezclando ambas voces y el estribillo es sensacional. El siguiente tema es “Firth Of Fifth”. ¿Qué se puede decir? Es uno de las mejores composiciones de todos los tiempos. Una intro de piano magistral (lo más logrado de Tony Banks, sin ninguna duda) que va ganando en tensión hasta que rompe con la voz de Peter y el ensamble de todo el grupo. Creo que las líricas son un poco flojas en comparación de la excelencia musical del tema. El break instrumental es sencillamente impresionante, conmovedor. Primero con Gabriel en una brillante ejecución de flauta, luego se reedita el comienzo, esta vez con sintetizadores y una performance brillante de Collins en batería, finalizando con un solo de Hackett también sublime. Se me acaban las palabras para halagar el tema. “More Fool Me” es quizá el tema menos logrado del disco. Siempre me produjo esa sensación. No es un mal tema, pero a comparación de lo escuchado hasta entonces deja la sensación de que le falta. Es una composición simple, pero con un muy buen estribillo. El siguiente es “The Battle Of Epping Forest”, el cual es una pieza súper compleja. Peter realiza una interpretación del tema casi teatral, es muy divertido escucharlo. Los riff y arreglos de sintetizador son siempre exactos y por sobre todo me encanta la parte en la que Gabriel canta “picnic – picnic”. Es muy ganchera. “After The Ordeal” es una pieza instrumental de corta duración, el la que se destaca el solo de Hackett una vez más y sirve como preludio para el gran final, que llega de la mano de “The Cinema Show”. Tiene un comienzo acústico con Gabriel en un tono exquisito. El intermedio instrumental es de lo mejor que ha dado la música progresiva. Toda una gran parafernalia de sintetizadores lanzando todo tipo de melodías geniales, un solo sorprendente de Banks. Esta parte de la canción sensibiliza a cualquiera, tiene un gran sentimiento. Hacia el final la melodía se va perdiendo y confluye hacia la melodía del último tema, “Aisle Of Plenty”, que no es más que un reprise de poco más de un minuto de “Dancing With The Moonlight Knight” con nuevas líricas. De esta manera se concluye un álbum perfectamente redondo.

Genesis alcanzó lo que venía buscando con discos anteriores como “Nursery Cryme” o “Foxtrot”. Sonido acorde a una banda de su talla, muy buena producción y un ensamble perfecto entre sus integrantes, quienes están en el pico de su carrera.

Este álbum cambió mi concepción de la música, mi forma de escucharla y entenderla y mi forma de disfrutarla. Espero que lo disfruten tanto como yo.

IMPRESCINDIBLE

Lista de Temas:

1. Dancing With The Moonlight Knight
2. I Know What I Like (In Your Wardrobe)
3. Firth Of Fifth
4. More Fool Me
5. The Battle Of Epping Forest
6. After The Ordeal
7. The Cinema Show
8. Aisle Of Plenty

Personal:

Peter Gabriel: Vocales, Flauta

Steve Hackett: Guitarras Eléctricas, Guitarras de 12 Cuerdas

Mike Rutherford: Guitarras, Bajo

Tony Banks: Teclados, Sintetizadores, Melotrón

Phil Collins: Batería, Percusión, Vocales

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The Who - Quadrophenia (1973)

Homero dijo alguna vez que el rock logró la perfección en 1974, y, ciertamente, este disco es un paso fundamental hacia esa perfección.

El disco atrae desde todos los puntos de vista. El nombre, la tapa, y, por sobre todas las cosas, la música y las letras. Es uno de esos álbumes llamados conceptuales, aunque mejor le queda el mote de ópera rock. La historia gira alrededor de Jimmy, el protagonista, el cual sufre una suerte de esquizofrenia cuádruple (de aquí el nombre del álbum).

Cada uno de los integrantes del grupo está identificado con un tema: Pete Townshend con “Love Reing O’er Me”, Roger Daltrey con “Helpless Dancer”, John Entwistle con “Is It Me?”, la cual se encuentra dentro de “Doctor Jimmy” y Keith Moon con “Bell Boy”, aunque los cuatro están escritos por Townshend.

El álbum comienza con “I Am The Sea”, donde se oye un sonido de oleaje de mar, mientras se mencionan los cuatro temas anteriores. La verdadera apertura del disco llega con “The Real Me”, una manera excelente de comenzar un álbum, solamente superada por el comienzo de “Selling England By The Pound” de Genesis. Los riff de guitarra son arrolladores, la línea de bajo es excelente y muy original por esas épocas, sostenida por toda la fuerza de la batería. Las letras son geniales y la performance vocal de Daltrey es de las más logradas del grupo. Un comienzo increíble. Le sigue “Quadrophenia”, un tema instrumental en el que Townshend mezcla los cuatro temas que identifican a los integrantes. Mucho soporte de sintetizadores, algún mini-solo de Townshend (quien no es un virtuoso con la guitarra, pero es un compositor totalmente iluminado) y al final otra vez el sonido del mar. “Cut My Hair” tiene uno de los mejores estribillos del álbum, sostenidos por una base rítmica muy firme por parte de Moon y Entwistle. Luego llega el punto más alto del disco hasta el momento: “The Punk And The Godfather”. Este tema tiene todo: un riff arrollador, el bajo y la batería a mil y por sobre todo la voz de Roger y los coros de Townshend generan esa sensación tan gustosa de climax musical, más aun en el intermedio del tema. “I’m One” tiene una gran letra, aunque la música no está a su altura. De todos modos en un muy buen tema. Con “The Dirty Jobs” llega un punto bajo del disco. No es que sea mala, pero luego de lo escuchado hasta el momento no genera la sensación de que se esté escuchando el mismo disco. “Helpless Dancer” tiene otra performance vocal soberbia de Daltrey y vuelve a producir otra vez esa sensación de perfección tan grata. “Is It In My Head” es una balada con un gran estribillo y una música acorde. El final del primer disco llega con “I’ve Had Enough”, un tema con tres partes marcadas. Una intro rockera con el bajo marcando a mil otra vez, un intermedio con “Love Reing O’er Me” y un final con una lírica de las mejores del álbum.

El segundo disco abre con “5:15”. La intro del tema es un reprise de “Cut My Hair”, pero inmediatamente se transforma en un rock and roll aplanador donde nuevamente se destacan los coros. Con “Sea And Sand” vuelve el mar, con otra letra excelente y una interpretación vocal genial de Daltrey. En “Drowned” se destacan Keith Moon, castigando como siempre los tambores de su batería, y, nuevamente, Daltrey. Me gusta, sobre todo, a partir del pequeño reprise de “5:15” hasta el final. Se nota que “Bell Boy” es el tema de Moon, quien no solo desarma la batería sino que también se le anima a la parte vocal. Un tema genial, sostenido por la rítmica de Townshend y sus sintetizadores. “Doctor Jimmy” es otro de los temas que no me cierran del todo. Sin embargo el pre estribillo y el mismo estribillo son de los mejores del disco. “The Rock” es otro instrumental al estilo de “Quadrophenia”, donde se vuelven a mezclar los cuatro temas con la misma contundencia que antes. El gran final del álbum llega con el tema de Townshend: “Love Reing O’er Me”. Qué se puede decir de este tema?. Una melodía hermosa, una letra contundente, los gritos desgarradores de Daltrey, la rítmica de Townshend y la base de Entwistle y Moon. El final es tan impresionante como el comienzo.

Este es un álbum para disfrutar de punta a punta, nunca genera sensación de aburrimiento sino todo lo contrario.

IMPRESCINDIBLE

Lista De Temas

Disco 1:

1. I Am The Sea
2. The Real Me
3. Quadrophenia
4. Cut My Hair
5. The Punk And The Godfather
6. I’m One
7. The Dirty Jobs
8. Helpless Dancer
9. Is It In My Head
10. I’ve Had Enough

Disco 2:

1. 5:15
2. Sea And Sand
3. Drowned
4. Bell Boy
5. Doctor Jimmy
6. The Rock
7. Love Reing O’er Me

Personal:

Pete Townshend: Guitarra, Coros, Sintetizador, Piano, Banjo

Roger Daltrey: Vocales

John Entwistle: Bajo, Coros

Keith Moon: Bateria, Percusión, Coros

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Presentación

Este post tiene dos objetivos. En primer lugar, pretende ser una especie de presentación y, segundo, dar un pantallazo general de cómo se va a desarrollar el blog.

Debido a que en estas épocas los tiempos son verdaderamente tiranos (repartidos entre el laburo y la facu mayoritariamente), los post no van a tener una frecuencia tan alta como la que quisiera. De todas maneras voy a tratar de que por lo menos todas las semanas haya una nueva revisión.

Otra aclaración muy importante tiene que ver con una cuestión de gran discordia con estos tipos de blogs. Tengo la idea de publicar solamente los links de discos que se encuentren descatalogados, sean difíciles de conseguir, o aquellos que si bien están editados, están hechos de forma lamentable (por ej. las ediciones de música nacional en las cajitas de cartón finitas, simil LP según dicen, y a precios de ediciones de lujo).

Estoy totalmente en desacuerdo con las discográficas que quieren implantar la idea de que las personas que comparten música en la red son mercenarios sin escrúpulos. Hoy en día Internet es una fuente inagotable de información, y, de no ser por ella, mucha de la música que disfruto me hubiese sido totalmente inaccesible.

Cualquier tipo de comentario es bienvenido.

Saludos.